Charly nuevamente internado

Charly García se encuentra estable y a la espera de su traslado a una clínica psiquiátrica para continuar un tratamiento por su adicción a las drogas, informó el miércoles una fuente médica.

El legendario rockero argentino, de 56 años, fue internado en la víspera en el Sanatorio Güemes de Buenos Aires por un cuadro febril.

El director médico del sanatorio, Héctor Pezzela, informó que García "está mucho mejor".

"Está muy tranquilo y estable, sabe perfectamente donde está y tiene conciencia de que le estamos haciendo estudios clínicos para su mejor asistencia", dijo. "Se le realizaron estudios complementarios que no arrojan hasta el momento foco infeccioso aparente".

García se encontraba desde el viernes en la hacienda del compositor Ramón "Palito" Ortega en la localidad bonaerense de Luján, donde continuaba un tratamiento externo de desintoxicación tras pasar más de un mes en una clínica neuropsiquiátrica.

En el Sanatorio Güemes aguardaban al psiquiatra forense nombrado por la juez que interviene en el caso para decidir su traslado a un centro mental, probablemente la clínica Dharma, dijo Pezzella.

El problema de García "es neuropsiquiátrico o psiquiátrico", aseguró el director del Güemes.

Esta es la cuarta ocasión en poco más de un mes que García es internado.

Adicto al Heavy Metal

Un ciudadano sueco consiguió que la Justicia califique su pasión por ese tipo de música como una invalidez por lo que ahora recibirá una importate suma de dinero. Los detalles

La Justicia de Suecia determinó que Roger Tullgren, de 42 años, padece una invalidez por su adicción al “Heavy Metal” por lo que el Estado deberá ahora subsidiarlo para garantizar su normal forma de vida.

Según un juez, Tulleren “no puede desempeñar su trabajo sin someterse a intensivas sesiones de heavy”. El magistrado aclaró, además, que en muchas ocasiones las mismas representan un problema para que se desempeñe bien en su empleo.


Todo comenzó cuando despidieron, una vez más, a este fanático que “durante 2006 asistió a más de 300 recitales”, según informó el diario El Mundo.

La adicción de Tulleren se inició cuando en 1971 su hermano mayor le hizo escuchar un disco de Black Sabbath. Ahora, hacía 10 años que solicitaba que la Justicia reconozca su pasión musical como una dependencia que le generaba problemas.

Finalmente, el fanático obtuvo una respuesta: podrá trabajar sólo media jornada y recibirá un subsidio de 400 euros mensuales.

Tullgren se desempeña como lavaplatos y su nuevo jefe le permite vestirse con las prendas características del Hevy Metal decoradas con cuero y tachas.

Los verás volver

En los próximos días saldrá a la venta un doble CD y DVD que documenta el recordado regreso de Soda Stereo a los escenarios, producido el año pasado. En los mismos se incluyen los mejores momentos de los recitales llevados a cabo en toda América Latina, además de un documental con testimonios de los integrantes del grupo.

El 12 de agosto próximo saldrá a la venta "Me Verás Volver Gira 2007", un doble CD y DVD que documenta el regreso a los escenarios de toda América Latina de Soda Stereo. Además del registro de sus conciertos, el material audiovisual incluye un documental con testimonios de Gustavo Cerati, Charly Alberti y Zeta Bosio sumados a los de Carlos Alomar (productor de Doble vida ), Andrea Álvarez, Gillespi, Fabián Von Quintiero y Richard Coleman, invitados todos ellos al último show del 21 de diciembre de 2007.

Lista de temas

- Me Verás Volver Gira 2007 CD 1


1. "Juego de seducción"
2. "Tele-ka"
3. "Imágenes retro"
4. "Texturas"
5. "Hombre al agua"
6. "En la ciudad de la furia"
7. "Picnic en el 4° B"
8. "Zoom"
9. "Cuando pase el temblor"
10. "Final caja negra"
11. "Corazón delator"
12. "Signos"
13. "Sobredosis de TV"
14. "Danza rota"

- Me Verás Volver Gira 2007 CD 2


1. "Persiana americana"
2. "Fue"
3. "En remolinos"
4. "Primavera 0"
5. "No existes"
6. "Sueles dejarme sólo"
7. "En el séptimo día"
8. "Un millón de años luz"
9. "De música ligera"
10. "Zona de promesas"
11. "Cae el sol"
12. "Prófugos"
13. "Nada personal"
14. "Te hacen falta vitaminas"

- Me Verás Volver Gira 2007 2 DVDs


1. "Juego de seducción"
2. "Tele-ka"
3. "Imágenes retro"
4. "Texturas"
5. "Hombre al agua"
6. "En la ciudad de la furia"
7. "Picnic en el 4° B"
8. "Zoom"
9. "Cuando pase el temblor"
10. "Final caja negra"
11. "Corazón delator"
12. "Signos"
13. "Sobredosis de TV"
14. "Danza rota"
15. "Persiana americana"
16. "Fue"
17. "En remolinos"
18. "Primavera 0"
19. "No existes"
20. "Sueles dejarme solo"
21. "En el séptimo día"
22. "Un millón de años luz"
23. "De música ligera"
24. "Zona de promesas"
25. "Cae el sol"
26. "Prófugos"
27. "Nada personal"
28. "El rito"
29. "Trátame suavemente"
30. "Si no fuera por"
31. "En camino"
32. "Disco eterno"
33. "Lo que sangra (la cúpula)"
34. "Terapia de amor intensiva"
35. "Picnic en el 4° B"
36. "Signos"
37. "Fue"
38. "Danza rota"
39. "Persiana americana"
40. "Primavera 0"
41. "No existes"
42. "Prófugos"
43. Documental Gira Me Verás Volver 2007

Mick Jagger ya puede recibir su pensión

LONDRES (Reuters) - Desde el sábado, Mick Jagger tendrá derecho a recibir una pensión del estado de 91 libras, alrededor de 115 euros, a la semana.
Sin embargo, tendrá que esperar otros cinco años para poder recibir gratis el aislamiento de su tejado, ya que este beneficio está sólo disponible para los británicos a partir de los 70 años.
El líder de la banda británica The Rolling Stones cumple 65 años el sábado, lo que le convierte en pensionado, pero sólo en su definición.
Jagger continúa haciendo girar hacia atrás el reloj con sus actuaciones en directo en las que desafía a la edad, y recientemente ha impresionado a los espectadores en el cine con sus pavoneos y posturas capturadas por el director Martin Scorsese en el documental del 2008 "Shine a Light."
Aunque su comportamiento tras el escenario ya no coincide con los excesos de su compañero Ronnie Wood, que recientemente entró en rehabilitación por sus problemas con el alcohol, Jagger claramente no va a descansar en su jardín.
Cada vez está más implicado en la producción de películas, y ha sido productor ejecutivo de "Shine a Light" y apoyado otros dos filmes desde entonces. Los rumores sobre un nuevo álbum de los Rolling Stones y una gira mundial aparecen regularmente en las páginas de noticias.
Si Jagger estimara insuficiente su fortuna de 225 millones de libras (unos 286 millones de euros), además de su pensión, podría probar con otra gira. "A bigger band" ha recaudado 558.255.524 dólares entre el 2005 y 2007, según el productor de la gira, Michael Cohl.
Michael Philip Jagger nació en Dartford, en el sur de Inglaterra, el 26 de julio de 1943, y es hijo de un profesor y una peluquera.
Se convirtió en vocalista de los Rolling Stones, formado a principios de los '60, y popularizó temas "(I Can't Get No) Satisfaction," "Ruby Tuesday" y "Angie."
Se estima que el grupo ha vendido más de 200 millones de discos en todo el mundo.
Se ha casado dos veces, con la nicaragüense Bianca Pérez en 1971 y con la modelo tejana Jerry Hall en 1990. Se divorciaron en 1999, tiene siete hijos y es abuelo.

Pink Floyd

Pink Floyd, grupo Británico de música rock que ha trabajado los subgéneros de rock progresivo, rock psicodélico, sinfónico, ácido, conceptual y espacial. Fueron de los primeros en producir videos y películas musicales a partir de sus trabajos. En los años 1970 fueron el grupo que más discos vendió en todo el mundo y fueron pioneros en el terreno del sonido psicodélico.

Pink Floyd nació un día 5 de junio de 1964 a partir de una banda anterior que utilizó distintos nombres, (Sigma 6, T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs), llegando a denominarse The Pink Floyd Sound, para quedarse posteriormente en The Pink Floyd y finalmente sólo Pink Floyd al publicar su primer disco en 1967. El nombre proviene de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.

Los componentes originales de Pink Floyd fueron: Bob Klose (guitarra solista), Syd Barrett (voces, guitarra rítmica), Richard Wright (voces, teclados), Roger Waters (voces, bajo) y Nick Mason (batería). Syd Barrett dominaba la composición influido por el rock psicodélico y el rock surf, lo que propició la salida de Bob Klose, (más cercano al jazz), y dejando un cuarteto más estable.

En 1968, Syd Barrett, cuya salud mental se había deteriorado, debido a sus experimentaciones con diversas drogas pesadas, incluido el LSD, comenzó a hacerse cada vez más impredecible y los espectáculos del grupo fueron resintiéndose cada vez más, por tal motivo, el grupo llamó a David Gilmour para asistir a Barrett en la guitarra y voces cuando éste sufriera alguno de sus bloqueos mentales. Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos. Barrett había compuesto la mayor parte del primer álbum del grupo The Piper at the Gates of Dawn (1967) y una pequeña parte del segundo álbum A Saucerful of Secrets (1968). Poco a poco la figura de Barrett se hizo cada vez más ausente, hasta que finalmente dejó de participar en los trabajos con el grupo. Los demás componentes siempre lo recordarían con afecto y llegarían a dedicarle canciones como "Wish You Were Here" y "Shine on you crazy diamond". De esta forma empezaron a componer y liderar el grupo Gilmour y Waters. Finalmente, Barret falleció el 7 de julio de 2006.

Después de la banda sonora de la película More (1968), su siguiente disco fue el doble Ummagumma (grabado entre Birmingham y Manchester en 1969), una mezcla de temas en directos por una parte y experimentos de estudio por la otra en la cual cada tema fue compuesto por cada uno de los miembros de la banda, cuyos temas ocupaban la mitad de una cara (unos 10 minutos cada uno).

En 1970 lanzaron Atom Heart Mother, (número uno en Reino Unido), en cuya orquestación colaboró Ron Geesin; era un trabajo que sin embargo pareció no satisfacer mucho al grupo. Más acertados se sintieron con Meddle (1971), que incluye "Echoes" de 23 minutos, y la leyenda de haber sido compuesta también con la intención de ser el soundtrack paralelo del "Tercer Acto: Misión a Júpiter" de la película 2001: Una odisea del espacio. El estilo pop-jazz de "San Tropez", la atmosférica "One of These Days", una obra clásica con una voz distorsionada que amenaza con "cortarte en trocitos uno de estos días" y "Seamus", en la que dan rienda suelta a su gusto por la experimentación están también incluidos en el disco. Un álbum menos conocido, Obscured By Clouds, salió en 1972 como la banda sonora de la película La Vallee.

A pesar de que Pink Floyd editó pocos singles, como Arnold Layne y See Emily play, cuando produjo el exitoso álbum Dark Side of the Moon, el tema "Money" fue número uno en los Estados Unidos, el disco estuvo alrededor de 14 años en la lista de los 100 principales, rompió varios records y es uno de los más vendidos de todos los tiempos. Dark Side of the Moon es una obra conceptual en la que se mezclan referencias a la neurosis, la locura y la fama, y técnicamente fue una innovación al utilizar un nuevo equipo de 16 pistas en los estudios de Abbey Road con el ingeniero de sonido Alan Parsons a los mandos de la edición, constituyendo un nuevo estándar en la alta fidelidad. El álbum también es fuente de una leyenda urbana que dice que fue concebida como banda sonora alternativa de la película El Mago de Oz de 1939, versión que fue desmentida por el grupo.

Dark Side of the Moon junto con los tres siguientes discos, Wish You Were Here, Animals y The Wall se suelen considerar como la cumbre de la carrera de Pink Floyd.

Wish You Were Here se publicó en 1975 como un tributo a Syd Barrett que contiene letras explícitas sobre su proceso y separación. En el álbum destacan el tema "Shine On You Crazy Diamond", básicamente instrumental y que recibió los elogios de la crítica, y "Wish You Were Here", que dio título al trabajo.

Por 1977, cuando se publicó Animals, Pink Floyd comenzó a recibir críticas por ser excesivamente pretenciosos y flojear en la composición, perdiendo la senda de la simplicidad del rock and roll anterior. Animals contiene largas canciones asociadas a un tema, tomado en parte de la novela Rebelión en la granja (Animal Farm) de George Orwell, que utiliza cerdos, perros y ovejas como metáfora de la sociedad contemporánea, estando más presente en la instrumentación la guitarra que en sus otros trabajos.

En 1979 se publica la opera rock The Wall, concebida principalmente por Roger Waters, que devolvió a Pink Floyd a las listas de éxitos y que actualmente es el tercer disco más vendido en la historia. Entre otros, el tema "Another Brick in the Wall, Part II", una crítica a la educación infantil, fue número uno y se convirtió casi en himno contra el sistema educativo (principalmente al sistema educativo inglés). Otro tema, "Comfortably Numb", que nunca se editó como single, se convirtió en pieza fundamental de todas las listas y hoy en día es una de las canciones más conocidas del grupo, teniendo como curiosidad que es la única canción de sus últimos cuatro discos en la que no hay continuidad con la canción anterior ni siguiente. Con The Wall el grupo hizo una gira mundial con un colosal montaje que incluía la construcción de un muro gigante que iba ocultando el escenario y que finalmente era destruido, todo ello siguiendo la historia de esta obra conceptual. El álbum fue coproducido por Bob Ezrin, quien fue llamado para servir como mediador entre Gilmour y Waters, debido a las continuas discusiones que se producían entre ambos. Ezrin había producidos discos para Alice Cooper y el grupo KISS. Además de como productor, Ezrin participó en la composición del tema "The Trial".

El carísimo montaje de The Wall generó grandes pérdidas económicas y fue una piedra más en los engranajes de la banda, unido a que se hizo patente el liderazgo de Roger Waters, creando frecuentes conflictos con los otros miembros del grupo y llegando a provocar la salida de Richard Wright, que volvió a participar en algunos conciertos de la gira pero ya contratado por un salario fijo, (irónicamente esto permitió que Wright fuera el único que ganara algo de dinero).

The Wall es una obra conceptual, una opera rock con una historia completa pensada para ser llevada al cine, aunque hasta 1982 no vio la luz la película Pink Floyd: The Wall, adaptada por el propio Roger Waters, dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof, el líder del grupo Boomtown Rats. La película contiene notables escenas de animación realizadas por Gerald Scarfe, colaborador desde hacía tiempo de los Pink Floyd, y que siguieron la misma línea de sus diseños para la carpeta del doble álbum de 1979. En la película se incluyeron temas que no figuran en el álbum original y que completan la historia, y lamentablemente excluyeron "Hey You", una pieza magnífica.

Comfortably Numb - The Wall

En 1983 vio la luz The Final Cut (literalmente el último corte, que anunciaba su último trabajo juntos), que retomaba trabajos no incluidos en The Dark Side Of The Moon y que mantenía su misma atmósfera, algo más oscura quizás. También significó la aparición de canciones relacionadas con temas de actualidad, algo impuesto por Roger Waters y que ha seguido haciendo en su carrera en solitario, como el corte "The Fletcher Memorial Home" en el que se refleja la rabia de Waters en relación a la intervención británica en la Guerra de las Malvinas. Algo más habitual en el grupo como la crítica social, pero orientado a otra de las fobias de Waters a partir de aquí, es el tema "Two Suns in the Sunset" sobre el cinismo y el miedo de la guerra nuclear. Aunque el álbum fue publicado por Pink Floyd como grupo, parece claro que ya respondía al proyecto personal de Waters y es clara la continuidad sonora, estética y temática con su posterior carrera en solitario. Quizás salvo por la estela de éxito de The Wall y la emoción de los seguidores del grupo ante su disolución, el tema "Not Now John" apareció durante algún tiempo en las listas de éxitos.

Después de The Final Cut, los componentes del grupo separaron sus carreras y comenzó una batalla legal por los derechos del nombre de la banda, fundamentalmente entre Roger Waters y David Gilmour, ya que mientras el primero deseaba su desaparición definitiva "para dejar con honra al mítico grupo", el segundo quería continuar el trabajo con el resto de miembros. Roger Waters abandonó formalmente Pink Floyd en 1985 con el fin de apoyar su postura legal respecto a la existencia del grupo. Finalmente David Gilmour y Nick Mason consiguieron los derechos sobre el nombre Pink Floyd, aunque Roger Waters mantuvo sus derechos sobre gran parte de la obra anterior del grupo, especialmente sobre el concepto teatral de The Wall.

Así, en 1987 Pink Floyd publica el álbum A Momentary Lapse of Reason sin Roger Waters, en el que también participó Richard Wright como músico de sesión.

En 1994 se publicó The Division Bell, en el que Richard Wright volvió a figurar como miembro de Pink Floyd. Pink Floyd no ha vuelto a publicar nuevo material desde entonces y aunque no están oficialmente disueltos, no hay ningún signo sobre nuevos trabajos.

En el año (2000) se publicó el concierto de las giras 1980 i 1981 del The Wall bajo el titulo The Wall Live: Is there anybody outhere? siendo la compilación de las grabaciones realizadas en los cinco conciertos que componian esta gira ofrecida por el grupo. Se han publicado numerosas recopilaciones de la obra de Pink Floyd, de las cuales la última Echoes (2001) ha causado bastante controversia, ya que muchos temas se han ensamblado con continuidad pero en distinto orden que en sus discos originales, mientras que de otros temas como "Shine On You Crazy Diamond" y "Marooned" se han eliminado partes completas. En el 2003 se lanzó el álbum commorativo de los 30 años del Dark Side of the Moon el cual es el primero de los discos de la banda en ser publicado en el formato SACD (Super audio CD)

El 2 de julio del año 2005, luego de una larga historia de peleas y demandas, Roger Waters se reunió con sus antiguos compañeros para una presentación de solo 4 temas en el concierto de Live 8, El histórico concierto fue la primera presentación de Roger Waters con la banda luego de 24 años de separación, para el grupo también fue su primer concierto juntos luego de 11 años de inactividad. Videos de este concierto pueden ser vistos en la pagina de AOL (aquí). La BBC condujo una encuesta en la cual Pink Floyd resultó ganador como Mejor Espectáculo del Live8 y las ventas de sus discos se elevaron en casi un mil por ciento, David Gilmour donó el excedente de las ganancias declarando que "no sería ético hacer dinero por un evento cuyos principios son la caridad y la solidaridad..."., En septiembre y a tan sólo unos meses del evento, fue publicada la opera tan esperada por sus fans "Ça Ira" de Roger Waters.

El 7 de julio del año 2006, Syd Barrett fue encontrado muerto en Londres, donde estaba internado.

Carreras en solitario

Todos los miembros de Pink Floyd han publicado discos en solitario con diverso grado de éxito comercial y de crítica, destacando los álbums The Pros and Cons of Hitch Hiking con Eric Clapton como guitarra principal y Amused To Death ambos de Roger Waters. También fue un hito musical la recreación que hizo Roger Waters del espectáculo The Wall, (Berlín 1990), junto a varios colaboradores , entre ellos destacan Bryan Adams, Paul Carrack, Cyndi Lauper, Van Morrisson, Sinead O'Connor y Scorpions además de La Rundfunk Coros & Orquestra del Este de Berlín y la banda Militar de las Fuerzas Sovieticas en Alemania. Concierto único con una espectacular puesta en escena delante de más de 300.000 personas donde un año antes se levantaba el Muro de Berlín, esta vez levantando entre público y artistas el aclamado The Wall de proporciones enormes, superando las giras de 1980-1981 con Pink Floyd y suponiendo la mas impresionante puesta en escena de esta gran Opera Rock. Después de años de retraso, Roger Waters finalmente publicó el 25 de septiembre la Opera "Ça Ira"[2] (2005).

Nick Mason sólo ha lanzado un álbum llamado Profiles y la banda sonora del documental La Carrera Panamericana.

Richard Wright ha publicado tres obras en solitario: Wet Dream (1978), Identity (1984) y su último trabajo Broken China lanzado en 1996.

David Gilmour[3] ha lanzado varios álbumes, siendo el más popular el primero de ellos titulado Dave Gilmour (1978). Luego de la partida de Roger Waters lanzó un álbum llamado About Face (1984) que también fue lanzado en video y destaca en su trayectoria un DVD llamado David Gilmour In Concert (2002) el cual es conocido por muchos como el "Pink Floyd acústico". En 6 de marzo de 2006, día de su cumpleaños número 60, lanzó su tercer trabajo en solitario llamado On An Island, el cual cuenta con numerosos e importantes invitados; incluso el mismo Richard Wright toca los teclados. Desde este mismo mes David Gilmour se embarcó en una gira de presentación de su última obra por Europa y EEUU; en sus primeras presentaciones ha sorprendido a los fanáticos con interpretaciones de temas clásicos como "Arnold Layne", "Echoes", y "Wot's... Uh The Deal".

Axl Rose con problemas en Argentina

Axl Rose interrumpe el show de Guns en Argentina en dos oportunidades debido a fans estupidos q tiraban cosas al escenario

Slash -The godfather - Buenos Aires 1992

Tremendo solo del ex guitarrista de Guns N' Roses, uno de los mejores d la historia del rock sin dudas

Deep Purple

Una de las bandas más poderosas de la historia del rock. Fundada en Gran Bretaña a finales de la década de los 60, evolucionaron desde posturas progresivas hacia posicionamientos hard rock, cimentando las pautas más clásicas del heavy metal surgido en los años 70.
Deep Purple comenzaron su andadura en la industria musical bajo el nombre de Roundabout, un combo que acompañaba a las andanzas en solitario de Chris Curtis, antiguo componente del grupo The Searchers.

La primera encarnación del grupo estaba compuesta por el vocalista Rod Evans, el guitarrista Ritchie Blackmore (nacido el 14 de abril de 1945 en Weston super Mare), el bajista Nick Simper, el batería Ian Paice y el ex teclista de los Artwoods Jon Lord (nacido el 9 de junio de 1941 en Leicester).
Esta formación data de 1968, año en el que grabarían su album debut, "Shades of Deep Purple" (1968), un estupendo disco de tendencias pop en el que realizaban un cover del clásico "Hey Joe" y del "Help" de los Beatles. Otras composiciones destacadas del disco son "Mandrake Root" y el sencillo "Hush", un tema de Joe South que alcanzaría un cierto éxito en los EEUU, alcanzando el número 4 en las listas de singles.
El Lp también llegaría a ocupar puestos altos en América, pero en su país pasaría bastante desapercibido.
"The book of Taliesyn" (1969), segundo Lp de calado progresivo, en el que además de sus temas propias, versionaban a Neil Diamond con "Kentucky Woman", a los Beatles con "We can work it out" y recuperaban el clásico de Phil Spector, escrito para Ike & Tina Turner, "River Deep Mountain High".
"Deep Purple" (1969) resultó ser un album más complejo que los dos anteriores, vislumbrándose sus venideros sonidos hard rock. Realizaban una adaptación del soberbio tema de Donovan, "Lalena" y presentaban excelentes composiciones de la banda como "The Painter" o "April".
La falta de éxito del disco provocó la marcha de Rod Evans, que formaría Captain Beyond y del bajista Nick Simper, que se uniría al grupo Warhorse. Serían reemplazos por dos ex componentes del grupo Episode Six, el cantante Ian Gillan (nacido el 19 de agosto de 1945 en Middlesex) y el bajista galés Roger Glover (nacido el 30 de noviembre de 1945 en Brecon).

El primer disco con Gillan y Glover sería "Concerto for Grupo and orchestra" (1970), un proyecto básicamente de Lord grabado junto a la Royal Philarmonic Orchestra.
El album que comenzaría la etapa más comercial del grupo sería "In rock" (1970), una obra maestra del hard-rock en la cual aceraban su potencial sónico gracias mayor influencia dentro del grupo de Ritchie Blackmore, acompañado por el talentoso trabajo en los teclados de Lord y el poderío vocal de Gillan. El disco, que alcanzó el número 4 en Gran Bretaña, contenía temas clásicos del grupo como "Speed King", "Child in time" o "Into the fire".
Además del Lp, Deep Purple también conseguiría el éxito en formato sencillo, con la publicación de "Black Night", una canción que les llevaría al puesto número 2 en las listas británicas.
Con "In rock" daría inicio una gloriosa etapa para la banda, en la que publicaron sus discos más conseguidos.
Ian Gillan también ensancharía sus habilidades vocales al interpretar a Jesucristo en el musical "Jesucristo Superstar" de Broadway. "Fireball" (1971), Lp en el que se incluía "Strange Kind of Woman" logró afianzar a la banda en puestos comerciales, comercialidad superada con creces con "Machine Head" (1972), un disco imprescindible en el que aparece el inmortal tema "Smoke on the water".
Como sucede a menudo, cuando se llega a la cima, el afán de protagonismo y las diferencias entre los diversos componentes provocan la huida en pos de una continuación exitosa en solitario o con otras formaciones
Así, los dos últimos en llegar y que había sido importantes en el nuevo rumbo heavy del grupo, Gillan y Glover, abandonarían a sus compañeros tras la publicación del triunfante directo "Made in Japan" (1973), uno de los discos en vivo más conocidos del rock y del irregular vinilo "Who do we think we are" (1973).
"Burn" (1974) presentaba a dos nuevos nombres, David Coverdale (nacido el 22 de septiembre de 1949 en Lancashire) en el puesto de vocalista y el antiguo componente del grupo Trapeze, Glen Hughes, al bajo. El disco, a pesar de las buenas ventas, sería inferior en calidad a las obras pretéritas.
"Stormbringer" (1974) provocaría la decisiva baja de Ritchie Blackmore, reemplazado por Tommy Bolin. Este golpe mortal no pudo ser reavivado con "Come taste the band" (1975) y Deep Purple cesaría sus grabaciones y actuaciones en 1976.
Blackmore formaría el grupo Rainbow, Jon Lord e Ian Paice crearían Paice, Ashton & Lord y David Coverdale, Whitesnake. Bolin fallecería a causa de una sobredosis de heroína.
La sorpresa vendría en los años ochenta cuando los Deep Purple más exitosos grabaron "Perfect Strangers" (1984), "The House of Blue Light" (1987), "Slaves & Masters" (1990) -con Joe Lynn Tuner como cantante- o "The battle rages on" (1993), buenos discos que consiguieron notables ventas. Marchas e idas volvió a ser la tónica para un grupo mítico que aún sigue girando por todo el mundo.

Historia del Rock N' Roll

El término "rock and roll" era en su origen un término náutico, que ha sido usado por los marineros durante siglos. Se refiere al "rock" (movimiento hacia atrás y delante) y "roll" (movimiento hacia los laterales) de un barco. La expresión puede encontrarse en la literatura inglesa remontándonos al siglo XVII, siempre referida a botes y barcos. El término se coló en la música espiritual negra en el siglo XIX, pero con un significado religioso, y fue grabado por primera vez en soporte fonográfico en 1916, en una grabación de gospel en el sello Little Wonder llamado "The Camp Meeting Jubilee".

Antes de 1947, la única gente que solía hablar de "rocking" eran los cantantes negros de gospel."Rocking" era un término usado por los afroamericanos para denominar el "secuestro" que experimentaban en determinados eventos religiosos, y el término también hacía referencia al poderoso ritmo que se hallaba en la música que acompañaba dicha experiencia religiosa. Tras el disco de Harris, la onda expansiva de canciones de blues "rocking", hizo que todo artista negro sacase un disco Llegada la música, lo que necesitaba era un nombre. R&B (acuñado en 1949) era un término demasiado amplio, porque R&B era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Cualquier otro estilo era considerado R&B, a pesar del estilo musical real. Podría ser una balada, jump blues a la antigua, crooners como los Ink Spots, blues shouters o cualquier otra cosa, sería clasificado como R&B.de "rocking" blues en 1949 o 1950.Pero esta música "rocking" era nueva y revolucionaria, por lo que necesitaba un nuevo nombre, así que los pinchadiscos, liderados por uno de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarlo "rock and roll". Fue en 1951, y muchos pinchadiscos hicieron lo mismoy se estaba usando para comercializar la música a una audiencia más amplia, más allá del mercado del R&B.Mucha gente cree que el "rock and roll" comenzó en 1954. Pero no, ese sólo es el año en que se dieron cuenta por primera vez, de canciones de transición como el "Sh-Boom" de The Chords, el "Shake, Rattle and Roll" de Big Joe Turner, el "Earth Angel" de The Penguins, el "Gee" de The Crows (grabado en 1953), "Goodnight Sweetheart" de The Spaniels y algunos de los primeros temas de Doo Wop que se hubiesen entroncado en el R&B. Es también el año que comenzó a grabar Elvis, aunque aquellos discos en Sun sólo le proporcionaron fama a nivel local durante aquel año, y no se hizo realmente famoso hasta que lo fichó RCA. Bill Haley también comenzaba. La gente negra que recuerda los primeros 50 cuentan una historia diferente.


Significado sexual del término

Un significado doble e irónico que se creó del conocimiento popular en 1947 gracias a la canción "Good Rocking Tonight" del cantante de blues Roy Brown en la cual la palabra "rocking" era aparentemente acerca de bailar pero de hecho se trataba de una alusión sutilmente velada al sexo.

La versión definitiva de esta canción la hace Presley, en 1954, durante sus 18 meses en el sello discofráfico SUN, de Memphis, antes de su pase a la RCA. Estas dobles intenciones no eran nada nuevo en la música blues (que estaba mayormente limitada a las rocolas y los clubes) pero eran desconocidas en las transmisiones de radio.

Tras el éxito de la primera versión de "Good Rocking Tonight" muchos otros artistas de rhythm and blues usaron títulos similares a fines de los años 40, incluyendo una canción llamada "Rock and Roll" grabada por Wild Bill Moore en 1949. Estas canciones estaban relegadas a las tiendas de "race music" (el alias que usaba la industria de la música para referirse al rhythm and blues) y eran apenas conocidas por las audiencias blancas. La frase 'rock and roll' pudo aparecer primero en una versión de Louis delchoto Jordan de "Tamburitza Boogie" grabada en Nueva York en 1950. En 1951, en Cleveland, Ohio, el discjockey Alan Freed comenzó a programar este tipo de música para su audiencia blanca, y es a Freed a quien se atribuye haber acuñado la frase "rock and roll" para describir la música rhythm and blues que programaba por radio. El término, con sus alusiones simultáneas al baile, al sexo y al sonido de la música en sí misma, quedó en uso aún por aquellos que no captaron todos sus significados.


Primera grabación

Entonces, en 1947, Roy Brown hizo un blues llamado "Good Rocking Tonight", que era una parodia del gospel, donde, en lugar de "rockear" al Señor, él ponía a gente de iglesia como Deacon Jones y Elder Brown "rockear" de modo no religioso. "Good Rocking Tonight" fue la primera vez que se fusionaron en la misma canción el sentido gospel de "rockear" (de las almas) y el sentido no religioso (baile, sexo).

La broma se sacó del "Deacon Jones" de Louis Jordan de 1943, en el que un Deacon (diácono) robaba dinero de la colecta, se emborrachaba con el vino sacramental y mantenía relaciones sexuales con todas las feligresas. Brown llevó al diácono un paso más allá y lo puso a "rockear".

El disco se vendió, pero la versión de Brown no tenía mucho de ritmo "rocking". Aunque Brown usó los dos significados de "rocking" en la letra de la canción, aún había un gran abismo entre la música gospel y el blues.

Llega Wynonie Harris. El grabó una versión del disco de Brown, también en 1947, pero se iba a convertir, tomando como base lo que sucedió después, en una de las grabaciones más importantes de la historia de la música. Cogió la broma de Brown, sobre la gente de iglesia "rockeando", pero como añadido a la parodia, cambió el ritmo a un compás uptempo de gospel, fusionando de ese modo gospel y blues de un modo espectacular. La diferencia entre la versión de Wynonie Harris y la de Roy Brown es el ritmo gospel "rocking" en el segundo y cuarto compás del 4/4, como se oye en el palmeo "rocking" de Wynonie, como estuvo durante décadas en la música gospel uptempo, tal y como se ha visto.

Cuando la versión de Wynonie Harris de "Good Rocking Tonight" se grabó en diciembre de 1947 y entró en listas en 1948, comenzó una revolución. Aunque Harris no era el primero en cantar blues con un compás gospel, ya que otros como Big Joe Turner lo habían estado haciendo durante años, fue el disco de Harris el que comenzó la moda del "rocking" en el blues y el R&B de finales de los 40. Tras el disco de Harris, la onda expansiva de canciones de blues "rocking", hizo que todo artista negro sacase un disco de "rocking" blues en 1949 o 1950.

(Hubo una prohibición de grabar durante el año 1948, por lo que muchos de los discos que se grabaron a principios de 1949 se habían grabado realmente en secreto en 1948. Una de dichas grabaciones era el "Rocking At Midnight" de Roy Brown, que fue su respuesta a la versión de Wynonie Harris de su "Good Rocking Tonight". Fijaos en cómo Brown cambió el tempo añadiendo los palmeos de gospel, como hizo Harris).

Era una corriente de cambio que cambió el R&B para siempre. El "rocking" llegaba, el boogie woogie se iba, y la mayor parte de los artistas de R&B intentaban como locos ser más "rocking" que los demás. Esta nueva música tenía un ritmo extremadamente potente.

Llegada la música, lo que necesitaba era un nombre. R&B (acuñado en 1949) era un término demasiado amplio, porque R&B era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Cualquier otro estilo era considerado R&B, a pesar del estilo musical real. Podría ser una balada, jump blues a la antigua, crooners como los Ink Spots, blues shouters o cualquier otra cosa, sería clasificado como R&B.

Pero esta música "rocking" era nueva y revolucionaria, por lo que necesitaba un nuevo nombre, así que los pinchadiscos, liderados por uno de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarlo "rock and roll". Fue en 1951, y muchos pinchadiscos hicieron lo mismo, como Waxie Maxie en DC, Hunter Hancock en LA y Porky Chedwick en Pittsburgh. En 1953 el nuevo término se comenzaba a usar ampliamente, y se estaba usando para comercializar la música a una audiencia más amplia, más allá del mercado del R&B.

Mucha gente cree que el "rock and roll" comenzó en 1954. Pero no, ese sólo es el año en que se dieron cuenta por primera vez, de canciones de transición como el "Sh-Boom" de The Chords, el "Shake, Rattle and Roll" de Big Joe Turner, el "Earth Angel" de The Penguins, el "Gee" de The Crows (grabado en 1953), "Goodnight Sweetheart" de The Spaniels y algunos de los primeros temas de Doo Wop que se hubiesen entroncado en el R&B. Es también el año que comenzó a grabar Elvis, aunque aquellos discos en Sun sólo le proporcionaron fama a nivel local durante aquel año, y no se hizo realmente famoso hasta que lo fichó RCA. Bill Haley también comenzaba. La gente negra que recuerda los primeros 50 cuentan una historia diferente.

En 1952 y 1953, el "rock and roll" se estaba caracterizando cada vez más por dulces baladas de amor de grupos vocales adolescentes con nombre de pájaro, como Crows, Ravens, Orioles, Cardinals... Normalmente, las caras B de dichos discos eran temas rápidos para el baile, que fueron llamados "rockers". En las diversas partes de los EE.UU. la gente les iba añadiendo sus influencias locales. En las ciudades del norte, las comunidades italiana y puertorriqueña tocaban "rock and roll" a su manera. En la costa oeste, los chicanos lo tocaban en castellano. En el sur, los cantantes de country añadían "rock and roll" a su "hillbilly boogie" y nacía el "rockabilly". Los cajun en Louisiana añadían "rock and roll" a su música, y nacía el zydeco. Allende los mares, los ingleses añadían "rock and roll" a su música y nacía el "skiffle". Todo esto sucedía a principios de los 50, y se amontonó todo junto en el gran crisol llamado "rock and roll". La primera vez que el "rock and roll" aparecía en la televisión nacional fue el 2 de mayo de 1954, cuando The Treniers aparecieron en The Colgate Comedy Hour siendo los anfitriones Jerry Lee Lewis y Dean Martin. Esto es mucho antes de que Elvis apareciera en televisión.

Con la música en el sitio, en radio o televisión, y con el nombre "rock and roll" ya oficial, la historia ya está contada. Sun Records, Elvis, Sam Phillips, es la historia del "rockabilly", pero el "rock and roll" ya estaba definido, grabado y difundido mucho tiempo atrás. El mito del "rock and roll" originario de una mezcla de "blues" y "country" se considera un hecho por algunos. La verdad es que el "rock and roll" es más viejo que el "rockabilly", que sí era una mezcla de "rock and roll" y "country". La mayoría de americanos eran, por aquel entonces, ignorantes de la cultura negra, y nunca habían escuchado "rock and roll" hasta que la explosión de Elvis llevó la música negra a su mundo. Pero la verdad es que "rock and roll" era originariamente sólo otro nombre para "rhythm and blues" que comenzó a usarse a finales de los años 40. Con el repentino afloramiento de la audiencia a nivel mundial en 1954 el "rock and roll", la impresión que se ha mantenido es que el "rock and roll" realmente comenzó aquel año. La gran mayoría nunca ha sabido de los "rockers" originales de 1947 a 1953. Cuando lees la mayoría de los libros sobre los orígenes del "rock and roll",describen una explosión entre 1954 y 1955. De repente, Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y otros estaban tocando "rock and roll" perfectamente desarrollado, como si hubiese surgido de la nada. Algunos lo describen como un momento mágico en un estudio de grabación, con músicos haciendo el indio durante un descanso y tocando algo no ensayado, y de repente, accidentalmente inventan un tipo de música completamente nueva.

Los autores más serios afirman, aunque también desde el error, que fue una mezcla de "country" y "rhythm and blues" (una descripción precisa del "rockabilly", que no fue la forma original del "rock and roll"). Cuando estos libros describen las raíces del "rock and roll", normalmente comienzan con el "blues" de los años 30 o anterior, con artistas como Robert Johnson y Charley Patton, y hacen referencias a los artistas de "blues" de Chicago como Howling Wolf y Muddy Waters, y entonces saltan directamente a 1954, pasando por alto completamente el potente "rocking" "rhythm and blues" basado en saxo del período 1948 a 1953.

Hay muchas razones para ello:

1. En la radio de finales de los 40 el "rhythm and blues" era tabú, aunque hubo algunos pinchadiscos pioneros que rompieron las reglas y lo pincharon de todos modos. El primer "rhythm and blues" que se oiría en la radio en Nueva York, por ejemplo, fue en la última parte de 1952, y aún así se escuchaba pasada la media noche. Algunas ciudades grandes tenían programas de "rhythm and blues" antes de esto, pero en general, casi no había "rhythm and blues" en los comienzos de la radio.

Sin radio, el único lugar donde se conocía ampliamente el "rhythm and blues" antes de 1952 eran los vecinda-rios negros, pero para entonces la música ya había cambiado, y el "rhythm and blues" estaba cambiando, en su mayoría, hacia los grupos vocales de "doo wop", populares entre los adolescentes, lo que significa que el anterior estilo de "rhythm and blues" nunca se conoció lo suficiente.

2. Cuando el "rhythm and blues" comenzaba a oírse en las emisoras de radio, el formato de 78rpm acababa de ser reemplazado por los nuevos discos de 45rpm. Las emisoras acababan de comprar los nuevos discos y se deshicieron de los viejos,más pesados y engorrosos de utilizar, pues se rompían con mayor facilidad.

Entre 1951 y 1952, los únicos discos promocionales que se enviaban a los pinchadiscos de las emisoras eran los nuevos 45rpm. Desafortunadamente, todo el "rhythm and blues" primigenio había sido grabado en los viejos 78rpm, así que cuando el "rhythm and blues" comenzó a ser radiado, dichos discos estaban deshechados. Más adelante, cuando los "éxitos dorados" se radiaban, significaba antiguos 45rpm, pues los 78rpm habían sido descartados. Así, los 78rpm de finales de los 40 y principios de los 50 no fueron muy radiados.

Además, está la historia de la máquina de discos. En 1950 y 1951, la mayor parte de las máquinas de los vecindarios ricos fueron actualizadas para reproducir los 45rpm, mientras muchos de los temas de "rhythm and blues" se seguían editando en 78rpm.

El formato 45rpm fue presentado en 1949 por RCA Victor, y otros sellos lo adoptaron a principios de los 50, aunque muchos continuaron fabricando 78rpm hasta 1959, particularmente para el mercado del "rhythm and blues".

Es que la mayor parte de la población negra no tenía ingresos disponibles para comprar nuevos tocadiscos que reprodujesen 45rpm, y los operarios de las máquinas de discos no transformaron las de los vecindarios negros de modo inmediato (este relato también es válido para el "hilbilly" o la música "country", dado que los seguidores de este tipo de música también eran pobres por lo general).

De este modo, el "rhythm and blues" de finales de los 40 y principios de los 50 se quedó atrapado en un formato condenado al fracaso, y casi toda la música se perdió y no llegó al oyente del novedoso mundo del 45rpm.

3. Cuando el "rock and roll" se arraigó por completo tras la llegada del "rockabilly", y más aún con la invasión británica de principios de los 60, se convirtió en una música basada en la guitarra, y los guitarristas, buscaban de modo natural a otros guitarristas como pioneros de la música. De este modo, Eric Clapton escucharía discos de B.B. King, Keith Richards escucharía a Muddy Waters, etc. y los tomarían como fuente de inspiración.

Así, las compañías discográficas se mostraron interesadas en reeditar el material antiguo en tanto y cuanto hubiese un guitarrista al frente. Pero el "rock and roll" de antes de 1954 estaba basado en el saxofón, con muy poca guitarra. Y mientras el saxo se había retirado virtualmente del "rock and roll" a partir de 1956, muchas de las estrellas primigenias permanecieron olvidadas. Lo mismo con el piano, que fue probablemente el instrumento en el que se tocó "rock and roll" por primera vez.

4. A mediados de los 50, cuando el "rock and roll" era popular, cada compañía discográfica importante tenía unas cuantas megaestrellas que intentaban vender. RCA tenía a Elvis, Decca a Bill Haley y Buddy Holly, Capitol a Gene Vincent, etc.

Reeditar las grabaciones que ya tenían de artistas anteriores de "rock and roll" no entraba en sus intereses, dado que hubiese canibalizado su producto del momento, sus nuevos artistas. Así, por ejemplo, aunque RCA Victor se asentaba sobre una mina de grabaciones primigenias de "rhythm and blues" de artistas como Piano Red, Big Boy Crudup, Mr. Sad Head, The Du Droppers, Big Maceo, etc. su atención se dirigió a promocionar a Elvis.

También estaba dentro de sus intereses promocionar la música de los artistas originarios de los pequeños sellos independientes, que no tenían recursos para competir con las principales discográficas. De este modo,los artistas de "rhythm and blues" de finales de los 40 y de principios de los 50 cayeron en el olvido. Los adolescentes blancos de mediados de los 50 pensaron en ellos como cantantes de blues pasados de moda cuyos discos no merecía la pena escuchar.

El único artista popular de "rhythm and blues" de finales de los 40 que también triunfó en el "rock and roll" genérico de mediados de los 50 fue Fats domino, que tuvo éxitos en etapas anteriores, el primero de ellos grabado en 1949.

NOTA: Little Richard ya grababa discos en 1951, pero no comenzó a vender a lo grande y no fue famoso hasta "Tutti Frutti" en 1956; Chuck Berry era un popular artista local en San Louis este a finales de los 40 y primeros de los 50, pero no grabó hasta 1955, cuando se hizo famoso con "Maybellene"; Ike Turner también era un artista de "rhythm and blues" con éxito en dicha época, con grabaciones famosas desde 1951, pero sus discos de mediados de los 50 siempre se enfocaron hacia la audiencia (negra) de "rhythm and blues", por lo que no se le menciona normalmente en los libros (blancos) de "rock and roll".

5. En 1954 o 1955, el nombre "rock and roll" se convirtió en el nombre común de la música que se comercializaba para adolescentes blancos, que se identificaban con ese nuevo término. Estos jóvenes tenían muy pocos incentivos que les llevasen a escuchar músicas anteriores con algún otro nombre.

El nombre común para la música anterior era "rhythm and blues", y la connotación racial de dicho nombre contuvo a la mayor parte de los aficionados al "rock and roll" de investigar en los discos anteriores, aunque fuese el mismo tipo de música. Además, dichos discos habían sido pensados para públicos adultos, con letras adultas y los chicos no estaban preparados para ello.

Las excepciones a esta regla fuerno los pocos artistas negros que de algún modo lograron que sus discos se promoviesen como "rock and roll", en lugar de "rhythm and blues". Estos artistas fueron Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino y los grupos vocales. Los artistas negros que tuvieron discos promocionados como "rhythm and blues" no vendieron mucho entre el público adolescente blanco.

Por ejemplo, Ike Turner había estado vendiendo discos de "rock and roll" desde 1951, pero su nombre nunca aparece siquiera mencionado en los libros de las raíces del "rock and roll", simplemente porque su música se promocionaba como "rhythm and blues". La música en sí, era la misma.